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Hablamos con el artista emergente Carles G.O.D

Conocí las obras de Carles G.O.D en la feria de arte Hybrid que celebró su cuarta edición el 28 de febrero de este año en el Petit Palace de Madrid. En Hybrid hubía una habitación que me llamó la atención, en particular la que estaba custodiaba por Cadmium Art Gallery. En ella pude descubrir a este gran artista y sus absorventes obras.

Hablamos con el artista emergente Carles G.O.D

 

Salí de Hybrid con el objetivo de conocer a Carles y que me explicara el significado de sus obras y los mundos que estas aguardan. Cadmium Art Gallery me puso en contacto con Carles, que se encuentra actualmente estudiando en la escuela School of Visual Arts (SVA) de Nueva York, y esto fue lo que me contó.

Siempre he creado mundos imaginarios en mi cabeza, cosmovisiones. Mundos cohesionados que tienen sus personajes y que se rigen por sus propias leyes físicas.

 

 

Cuéntanos ¿cómo estás viviendo estos momentos confinado allí en NY? 

Dentro de la montaña rusa de emociones que supone vivir algo así, yo creo que lo estoy llevando bastante bien. En este tiempo que llevamos confinados, he decidido cambiar el chip, centrarme en lo que tengo que hacer y en explorar la ciudad. NY tiene unas áreas increíbles, toda la bahía de Jamaica que está llena de pájaros y que tiene hasta un aeropuerto abandonado. Creo que este puede ser un momento de introspección para todos y que podemos desprendernos un poco del estrés que tanto caracteriza a esta ciudad.

 

Imagino que estarás aprovechando la cuarentena para crear. Cuéntanos que tienes entre manos.

Ahora mismo estoy llevando a cabo un proyecto personal independiente como parte de mi master. El título es NEONY, siguiendo la tradición de la ciencia ficción japonesa de llamar al Tokio del futuro Neo-Tokyo. Está inspirado en el libro New York 2140, del autor Kim Stanley Robinson. En su obra él se imagina la ciudad cuando el nivel del mar sube y gran parte de la ciudad queda inundada.

En este trabajo estoy añadiendo a celébrities como Grimes o M.I.A como diosas del futuro. Está inspirado en la canción New Gods de Grimes, donde la humanidad ha endiosado a celebridades porque los dioses antiguos ya no les sirven. De momento he dibujado a MIA como diosa de los migrantes, Grimes como diosa del antropocentrismo, venerada por los ricos y Bjork como diosa del océano. Tengo pensado incluir a FKA twigs, Rosalía, Arca y a la banda libanesa Mashrou Leila, así como a las youtubers Kat Blaque y Contrapoints. También he introducido a Sonic, ya que es un personaje icónico de los 90, que con el tiempo se ha convertido en un engendro bizarro modelado por los fans. Me parece un buen ejemplo de en qué se ha convertido y como ha ido transformándose el mundo virtual.

¿Qué películas te inspiran a la hora de crear? 

Películas que me inspiren, por ejemplo Melancolía de Lars Von Trier o Kill Bill, que quizás es caer un poco en lo típico, pero es que me encanta su toque pop. También me flipan las películas de Kubrik como Odisea en el espacio.

Una película que he visto hace poco es Gosh in the Shell. La original es una película introspectiva y espiritual, con una banda sonora brutal. La estética de Matrix no sería la que es si no fuera por Gosh in the Shell. Por último, Arrival me pareció una oda preciosa al diálogo y la comunicación.

Sabemos que eres fan de Katsuhiro Otomo, autor de Akira, ¿hay algo de él en tus obras?

Yo fui de la generación que vivió el boom del anime apocalíptico con Neon Genesis Evangelion o con el videojuego Final Fantasy. Desde pequeño me ha fascinado la ciencia ficción, imaginarme mundos paralelos o como va a ser el futuro.

 

 

Si tuvieras que ponerle banda sonora a tus creaciones ¿cuál sería?

Yo tengo una trinidad de cantantes que son: Grimes, M.I.A y Bjorc. Su música son muchas capas de sonidos, contenido, estética y, por supuesto, los mensajes que transmiten con su música. También escucho bandas sonoras de videojuegos como la de NieR: Autómata, que es una obra maestra.

Tus obras suelen tener algún mensaje social, político y económico cifrado a través de su simbología. El ecofeminismo, la migración, el turismo y la gentrificación son algunos de los temas que tratas en tus obras. Podrías contarnos un poco sobre tu último proyecto, Zungunruhe.

El proyecto Zungunruhe (2018 – presente), es el tema de mi tesis.  Trata sobre las migraciones humanas, que es sobre lo que he estado investigando durante los último tres años. Todo empezó cuando me dieron una beca para irme a una residencia de artistas en Bosnia y Croacia, para hacer la ruta de los Balcanes. Fue al terminar esta ruta cuando empecé la investigación con una amiga, que es de Irak y está en Mallorca en condición de refugiada. Siempre he flipado con el tema del racismo y la manera en que estos discursos se tergiversan y se utilizan de una manera tan tóxica. Hay muchísimas más cosas que nos unen como seres humanos que cosas que nos separan y más si hablamos de fronteras o banderas.

El Mind Map de Zungunruhe lo hice después de la residencia de artistas, intentando poner en orden las ideas para empezar a estructurar cómo será el póster narrativo. 

 

 

Háblanos de tus obras más conocidas, como por ejemplo Projecte Úter. Es una obra que trata sobre un tema tan complejo como es el el aborto. ¿Cómo surgió esta obra?

Me gusta crear mundos en los que convergen temáticas sociales que me parecen relevantes y elementos de la cultura popular. Es la manera de reunir la galaxia de cosas que tengo en mi cabeza.

El Projecto Uter surgió de una colaboración que hice con la artista Tonina Matamalas después de uno de mis viajes a EEUU hace 10 años, para conocer un colectivo que se llama Beehive Design Collective. En este colectivo eligen temáticas  sociales que necesitan ser representadas y entre todos hacen un trabajo antropológico que luego traducen en un dibujo gigante. A mí este colectivo me salvo la vida, ya que dieron respuesta a algo que yo estaba buscando desde hace tiempo. Fusionar arte y activismo político. 

Volví a España con ganas de hacer un proyecto similar. Tonina estaba muy conectada con los movimientos feministas de la isla y de ahí salió Projecto Uter. Fue en 2014, cuando Gallardón quería prohibir el aborto. Esta obra fue una herramienta para comprender mejor la complejidad que envuelve este tema y el derecho a decidir. Cuestiona el hecho de que en pleno siglo XXI se siga cuestionando que la mujer pueda hacer con su cuerpo lo que quiera. Empezamos a entrevistar a gente y este proyecto, que en principio iban a ser dos meses, terminó durando más de un año. Una vez terminamos el dibujo, fue cuando empezamos a reproducirlo en pancartas gigantes de 4 metros de alto, con las que nos fuimos de gira Storytelling, convirtiendo el dibujo en un vehículo de historias, como los Juglares de la Edad Media.

 

 

 

Tus dibujos están llenos de pequeños detalles interconectados, algo que nos recuerda al horror vacui, un estilo que predomina en obras tuyas como Projecte Úter. Háblanos  del simbolismo de esta obra. 

En la obra utilizo los animales para hablar de biodiversidad y evitar representar género, raza o edad. En Projecto Uter por ejemplo, para tratar la diversidad usamos a los caracoles por ser una especie hermafrodita. Son utilizados como una metáfora para hablar de la educación sexual que nos hubiera gustado tener y que nos hubiera permitido descubrir lo que queremos y poder decidir sin un sistema patriarcal que te obligue a ser algo que no eres.

En cuanto a las arañas que aparecen tejiendo redes, representan la red de solidaridad, representando la red feminista o la red de cuidados. Elegimos las arañas porque son un claro ejemplo de colaboración. Se ha descubierto que cuando hay una inundación, suben todas a un árbol y tejen juntas una red para protegerse. Las arañas están repartidas por el póster y tienen un hilo que puedes seguir y que conecta con otra parte del póster.

Estamos acostumbrados a tener representada la información de principio a fin con un hilo temporal.  En cambio, el dibujo te permite transgredir eso y de repente tener toda la información en un plano y moverte por él. Para hablar del aborto en este dibujo empezamos hablando de historia, edad media, la evolución del sistema capitalista y la educación sexual. Todo para explicar por qué en el año 2014 se quería prohibir el aborto en España.

En tu obra Haven is a town much like Shagaluf podemos ver que tratas el turismo como neocolonialismo. Háblamos un poco más de esta obra. 

Yo soy de Mallorca y sé que el turismo allí se vive como una religión. Esta actividad comenzó allí de manera controlada, pero cuando se empezó a privatizar todo, se convirtió en el desastre que es ahora. La gentificación esta muy presente en la isla. Los propietarios prefieren tener un Airbnb porque van a ganar más dinero, algo lógico en un sistema donde se premia la riqueza individual y da igual a costa de qué o de quiénes lo consigas. Esto, sumado al frenesí de los vuelos Low Cost, hace que todas las ciudades europeas se estén convirtiendo en centros turísticos.

Shagaluf también hace referencia a cómo destruimos la biodiversidad y el ecosistema, lo cual no tiene precio. Recuerdo de pequeño ver zonas de Mallorca que ahora mismo están destruidas por el Turismo de Sol y Playa. Zonas de la ciudad donde antes vivía gente local, ahora vive gente que solo está en casa los meses de verano o que lo alquilan como Airbnb. También está el tema de la corrupción, los paraísos fiscales y lo mal pagados que están algunos trabajos básicos como el de las kellys. No es normal que cada vez haya más turismo y la isla facture más, pero que a su vez la vida allí sea más precaria.

 

 

Sabemos que eres un amante de la docencia y que has sido profesor de serigrafía. Háblanos de tus talleres Children of Corita, en honor a la monja Corita Kent.

Todos los cursos de serigrafía que hago se llaman así y están basados en esta monja. Me especialice en serigrafía en Marsella con una Beca Leonardo. Me gusta dar los cursos conexionando grupos y haciendo un fanzine todos juntos. En las clases que imparto, me gusta convertir a los grupos de trabajo en una fábrica de producción, en la que hacemos un proyecto colectivo y nos ayudamos entre todos. En Mallorca, a raíz de los cursos, salió el colectivo Children of Corita, con el que hemos hecho Tropicana Dreams Fest. El festival ha sido una plataforma para traer a la isla a artistas y colectivos que si no, probablemente, nunca hubieran venido.

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