Galeria Reus y Terreno Barrio Hotel presentan una noche de arte contemporáneo en torno al eclipse solar de agosto
En vísperas del eclipse solar de agosto de 2026, Galeria Reus y Terreno Barrio Hotel presentan NOCTURNAL ECLIPSE: Other Forms of Return, una exposición colectiva que reúne las obras de Claire O’Keefe, Miquel Ponce y Julià Panadès en diferentes espacios del hotel.
El proyecto toma como punto de partida uno de los grandes acontecimientos astronómicos del año: el eclipse total de Sol del 12 de agosto. A este fenómeno se suma el ciclo de Saros, el patrón que hace que los eclipses vuelvan a repetirse en condiciones similares cada 223 meses sinódicos, aproximadamente cada 18 años, 11 días y 8 horas. A partir de esta idea del retorno cíclico, la muestra propone una reflexión sobre el tiempo, la memoria y las distintas formas de volver.
La inauguración tendrá lugar el jueves 6 de agosto a las 19:00 horas en Terreno Barrio Hotel, en Mallorca.
Del 6 de agosto al 19 de septiembre
Terreno Barrio Hotel (Avinguda de Joan Miró 73, 07015 Palma)
¿Quién es Miquel Ponce?
Miquel Ponce (Valencia, 1997) es graduado en Bellas Artes y cuenta con un Máster en Producción Artística por la Universitat Politècnica de València. Asimismo, realizó una estancia Erasmus en la Technological University Dublin. Su obra se ha expuesto en instituciones como el Museo de la Universidad de Alicante, la Casa de Velázquez de Madrid, las Reales Atarazanas y el MuVIM de Valencia. También ha colaborado con galerías como We Collect (Madrid), Volta Art Gallery (Valencia) y Berlin Gallery (Sevilla).
Ponce ha participado en diversas residencias artísticas, entre ellas la Residencia de Creación e Investigación Artística del MUA (Alicante, 2020) y la Beca de Producción Artística concedida por la Fundación BilbaoArte (2021). Su práctica también ha sido reconocida con premios y becas como la Beca de Creación VEGAP (2021). Fue finalista en PAM!PAM!21 (2022) y ha participado en proyectos como Mostra Art Públic / Universitat Pública (2022) y TEST (2024).
La práctica artística de Ponce se articula en torno a la pintura, entendida como residuo, huella e impronta. Sus obras muestran signos de desgaste, manipulación y del paso del tiempo. El azar y el deterioro material ocupan un lugar central en su proceso, generando una reflexión sobre la construcción de la imagen y la crisis de la visualidad, al tiempo que abren nuevas posibilidades para el lenguaje pictórico. Sus pinturas invitan a un encuentro táctil y cuestionan la representación a través de la fisicidad de los materiales y la naturaleza constructiva del medio. En su práctica, la imagen abstracta surge como la huella residual del propio acto creativo, transformando la pintura en un vestigio que habla tanto de su tiempo como de su propia condición.
Hemos tenido la oportunidad de entrevistarle, y que nos cuente más sobre el.
Si tuvieras que describirte en una sola frase, ¿cuál sería?
Me suelo definir como artista antes que pintor. Hace poco leí una frase que me gustó mucho: “Pinto para saber qué pintar”. Creo que lo define bastante bien.
¿Cómo fue tu primer acercamiento al arte? ¿Qué recuerdas de aquel momento?
No recuerdo un primer momento en concreto, pero diría que sería a través de la música. Siempre me gustó, estudié música de pequeño y toqué hasta los 20 y pico, luego lo dejé más de lado, aunque siempre me ha fascinado. Creo que es el arte más abstracto que hay y para mí de los más potentes.
¿Qué te obsesiona ahora mismo, aunque no tenga nada que ver con el arte?
El mundo marino, el Geoguesser y los mochis.
¿La intuición, o incluso la espiritualidad, forma parte de tu manera de crear? ¿Cómo se manifiesta?
En mi caso no soy nada espiritual, pero sí confío mucho en la intuición, y confío en ella muchas de las decisiones que tomo. Creo que el trabajo de un artista es tener el músculo de la intuición bien desarrollado ya que todo el rato tienes que tomar decisiones, y para mí ese es el trabajo más duro, decidir hacia dónde llevar la obra, decidir el siguiente paso.
La muestra parte de la idea de que hay cosas que siempre vuelven, aunque nunca lo hagan exactamente de la misma manera. En tu caso, ¿qué sientes que ha regresado una y otra vez a lo largo de tu vida o de tu práctica artística?
Creo que cuando más pasa el tiempo más te das cuenta de que vuelves sobre las mismas preocupaciones, que hay cosas que nunca dejas atrás y como un mantra se repite en momentos diferentes. Hay algo ahí que es inherente a cada uno, en mi caso hay ideas que vuelven, las limitaciones del formato cuadro, la idea de resto como algo sobre lo que trabajar, la idea de que la imagen ocurra o se genere con el proceso, son cosas que más que vuelven a salir, siempre están por debajo, como un bajo continuo que siempre está ahí.
Los eclipses suelen asociarse a momentos en los que, aunque externamente todo parece detenerse, internamente se producen grandes transformaciones y cambios de perspectiva. Cuando atraviesas una etapa así, ¿tiendes a resistirte al cambio o prefieres dejarte llevar por lo que está por venir?
No, para nada. En mi trabajo es muy importante el cambio, y me doy la libertad de cambiar y probar otras cosas. Con el tiempo me he dado cuenta de que me gusta trabajar así, tomándome licencias para hacer cosas diferentes en momentos diferentes. Cada proyecto para mí va acompañado de unas preocupaciones, materiales, condicionantes a la hora de trabajar, etc. Por eso es importante cuando hay un momento de estos, en el que se abre una vía nueva, otras posibilidades, intento ver si me interesa, pero cuando lo tengo claro me tiro de cabeza. Es lo bonito de dedicarse a esto, meterse en un jardín del que no se sabe si saldrás vivo.
¿Cómo sabes que una obra está realmente terminada?
No lo sabes, tienes que dejarla reposar un tiempo y si no te pide más, la dejas, a veces funciona, otras veces no. Muchas veces descarto obras o las vuelvo a tapar, es parte del proceso. Creo que es cuestión de experiencia saber cuando una obra está terminada, es como que notas que no hay que hacerle nada, pero siempre queda esa duda. Pero sí que es verdad, que cuando decido que algo está terminado, ya no lo toco más.
¿Qué haces cuando aparece el bloqueo creativo?
Seguir trabajando, eso ocurre, pero no tenemos que ser creativos en todo momento. Hay muchos lugares de donde tirar y cómo afrontarse a una obra. Los artistas tenemos estrategias para superar estos bloqueos, pero para mi el principal es seguir trabajando, a veces cambiar de obra o formato, a veces de técnica, etc.
¿Qué quieres lograr con tu trabajo?¿Qué te gustaría transmitir a quienes se encuentran con tu obra?
Creo que lo que más me interese es que alguien se pueda perder en ella, acercarse y ver matices y aspectos que de alguna manera no se ven a simple vista o en una imagen. En mi trabajo hay una preocupación por los materiales y lo físico, por lo que me interesa que la obra se experimente en persona y permita al espectador extraer interpretaciones de manera muy libre, no me interesa que haya un discurso cerrado, aunque yo pueda tener mis idea, claramente.
¿Qué música suena mientras trabajas? Compártenos una playlist de Spotify que te represente.
Me cuesta a veces dar con la tecla y con la música óptima para cada momento o estado, pero aquí va un resumen de lo que he estado escuchando este último año. Sí que suelo ponerme álbumes cuando trabajo, y suelo pasarme semanas escuchando a un artista en concreto.
https://open.spotify.com/playlist/2wb3b6xCp23RxF8WEDzZy8?si=91d827c643374caf
Si hoy pudieras volver a encontrarte con tu «yo» más pequeño, ¿qué conversación tendrían?
Pues hablaríamos de fútbol probablemente, le recomendaría algo de música y le diría que disfrutase de cada momento, que muchas cosas ya no vuelven.
Los eclipses duran apenas unos minutos, pero su capacidad para transformar nuestra mirada puede permanecer mucho más tiempo. Y esa es justamente la invitación de NOCTURNAL ECLIPSE: Other Forms of Return: recordar que volver nunca significa regresar al mismo lugar, sino descubrir una forma distinta de mirar.
