The vibrant work of French artist Leona Rose is rooted in colour, light and joy. Initially self-taught and later trained at the Beaux-Arts de Paris, she has developed a distinctive visual language shaped by travel, dreams and spontaneity.
She has collaborated with brands like Levi’s, Perrier, Kiehl’s and Le Coq Sportif, and today she shares with Kluid some of the insights behind her colourful universe, which moves between paintings, monumental murals and art objects.
Leona Rose: “I try not to overthink or let myself be influenced too much by what’s happening around me. I need this bubble of color to evolve, dream and create, day and night”
Alongside these projects, Leona is committed to making art accessible to everyone. She regularly takes part in collaborative workshops and community projects, particularly with children, encouraging creativity, self-expression and a spirit of sharing.
More is more or less is more?
More is more, obviously. There’s never too much! I’m all about the total look, exuberance, and fully experiencing things. I like going all the way, in art, in experiences, in life. If I’m going to do something, I want to dive into it completely.
What role do you think color plays today?
I’m probably the opposite of quiet luxury, or a quiet painter! There’s a lot going on inside me, and my art is simply an extension of that inner world.
I try not to overthink or let myself be influenced too much by what’s happening around me. I need this bubble of color to evolve, dream and create, day and night. I never really compare myself to others. I’m much more interested in working on myself and allowing this inner world and all these colors to keep unfolding.
What would the little girl you once were say if she could see your art now?
I’ve been drawing for as long as I can remember, and strangely enough, my imaginary world hasn’t changed that much. It was already very colorful, dreamlike and filled with plants and nature. I spent a lot of time alone creating and imagining magical worlds.
I was a very dreamy child, always slightly apart, a bit of the black swan of the family. I never liked feeling trapped in a role or in something that didn’t feel like me. So in a way, becoming an artist feels like the natural continuation of who I was. At some point, I simply had to open that Pandora’s box.
What role does spirituality play in your life and your creative process?
For a long time, I travelled a lot and looked for answers and inspiration outside myself, through places, cultures and encounters. At some point, I realized I also needed to travel inward and meet myself.
Spirituality has helped me understand myself better, embrace both my light and my shadows, and become more comfortable with the solitude that comes with being an artist. The more I know who I am, the more consciously and authentically I can create. When you’ve been creating for years, it can sometimes become almost mechanical. Spirituality helps me move away from that automatic gesture and return to something more honest, intuitive and deeply connected to who I am.
Is creating a way of practicing abundance?
My art is very intuitive and spontaneous, much like nature itself. It exists without pretension. I simply try to make it as authentic as possible.
Creating is a way for me to reconnect, again and again, with my inner child and with a state of love, joy and wonder. When I look at something I’ve created and it feels right, it brings me a sense of peace and happiness. Perhaps painting is simply my way of cultivating that feeling and passing a little of it on to the world around me.
How do you know when a piece is truly finished?
It’s actually quite instinctive. I often like to finish paintings towards the end of the day, and I may come back to them a few times before the sun goes down.
Then I stop. I sleep on it, and the next morning I can look at the piece with fresh eyes. Usually, that night of distance gives me the answer immediately. Either something is still missing, or I know it’s finished. I guess I really do let the night bring counsel.
What was the last landscape, place or moment that made you want to turn it into art?
The forest of the Sierra Nevada in Colombia. I recently painted a large mural for my friend Liliana in Santa Marta, and I was completely fascinated by the landscape there.
I spent a few days in the heart of the forest, hiking through this incredible nature and even making my way back down along a river, letting the current carry me. It was genuinely one of the most beautiful places I’ve ever seen. There was something almost magical about it, and I wanted the mural I created for Liliana to be my own little tribute to that forest and its beauty.
What do you hope stays with someone after spending time with one of your works?
I actually have no expectations. My paintings are a little like my babies while I’m creating them, but once someone acquires one, I somehow cut the cord and let it have its own life.
What matters to me happens before that. I ask myself whether what I’ve created feels true, authentic and aligned with what I was feeling at that particular moment, whether I created it without lying to myself, and with as much of my inner child as possible.
After that, it no longer really belongs to me. What someone else feels or sees in it is entirely theirs.
If there were absolutely no limits, what would be the wildest project you’d love to bring to life?
I actually can’t answer this one yet… because my dream project is currently happening! I’m working on it right now, but it’s still confidential. It will be revealed in a few months, so for now, I’ll just say: stay tuned.
Which artist has been inspiring you lately?
I keep coming back to Hilma af Klint, Gustav Klimt and Joan Miró. I love artists who created worlds with their own language and symbolism, something you can recognize almost instinctively.
What resonates with me is their freedom. The way color, shapes, symbols and imagination can communicate something that doesn’t necessarily need to be explained. Their work reminds me that art can be deeply personal and mysterious, while still speaking to something universal.
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Es:
¿Más es más o menos es más?
Más es más, obviamente. ¡Nunca es demasiado! Me interesa el total look, la exuberancia y vivir las cosas plenamente. Me gusta llegar hasta el final, tanto en el arte como en las experiencias y en la vida. Si voy a hacer algo, quiero sumergirme completamente en ello.
¿Qué papel crees que juega el color hoy en día?
Probablemente soy todo lo contrario al quiet luxury, o a una pintora silenciosa. Hay muchísimas cosas sucediendo dentro de mí, y mi arte no es más que una extensión de ese mundo interior.
Intento no darle demasiadas vueltas a las cosas ni dejarme influir demasiado por lo que ocurre a mi alrededor. Necesito esta burbuja de color para evolucionar, soñar y crear, de día y de noche. En realidad, nunca me comparo demasiado con los demás. Me interesa mucho más trabajar en mí misma y permitir que este mundo interior, y todos estos colores, sigan desplegándose.
¿Qué diría la niña que fuiste si pudiera ver ahora tu obra?
Dibujo desde que tengo uso de razón y, curiosamente, mi mundo imaginario no ha cambiado tanto. Ya entonces era muy colorido, onírico y estaba lleno de plantas y naturaleza. Pasaba mucho tiempo sola, creando e imaginando mundos mágicos.
Era una niña muy soñadora, siempre un poco al margen, algo así como el cisne negro de la familia. Nunca me ha gustado sentirme atrapada en un papel o en algo que no sintiera que iba conmigo. Así que, de alguna manera, convertirme en artista es la continuación natural de quien siempre fui. En algún momento, simplemente tuve que abrir esa caja de Pandora.
¿Qué papel juega la espiritualidad en tu vida y en tu proceso creativo?
Durante mucho tiempo viajé muchísimo y buscaba respuestas e inspiración fuera de mí misma, a través de lugares, culturas y encuentros. En un momento dado, me di cuenta de que también necesitaba viajar hacia dentro y conocerme a mí misma.
La espiritualidad me ha ayudado a entenderme mejor, a aceptar tanto mi luz como mis sombras y a sentirme más cómoda con la soledad que forma parte de la vida de un artista. Cuanto más sé quién soy, más consciente y auténticamente puedo crear.
Cuando llevas años creando, a veces el proceso puede volverse casi mecánico. La espiritualidad me ayuda a alejarme de ese gesto automático y regresar a algo más honesto, intuitivo y profundamente conectado con quien soy.
¿Crear es una forma de practicar la abundancia?
Mi arte es muy intuitivo y espontáneo, como la propia naturaleza. Existe sin pretensiones. Simplemente intento que sea lo más auténtico posible.
Crear es una forma de reconectar, una y otra vez, con mi niña interior y con un estado de amor, alegría y asombro. Cuando miro algo que he creado y siento que está bien, me produce una sensación de paz y felicidad. Quizás pintar sea simplemente mi manera de cultivar esa sensación y transmitir un poquito de ella al mundo que me rodea.
¿Cómo sabes cuándo una pieza está realmente terminada?
En realidad, es algo bastante instintivo. Muchas veces me gusta terminar las pinturas al final del día, y puede que vuelva a ellas varias veces antes de que se ponga el sol.
Entonces paro. Duermo sobre ello y, a la mañana siguiente, puedo mirar la pieza con ojos nuevos. Normalmente, esa noche de distancia me da la respuesta inmediatamente. O bien todavía falta algo, o sé que está terminada. Supongo que realmente dejo que la noche me aconseje.
¿Cuál ha sido el último paisaje, lugar o momento que te ha hecho querer convertirlo en arte?
El bosque de la Sierra Nevada de Colombia. Hace poco pinté un mural enorme para mi amiga Liliana en Santa Marta y me fascinó por completo aquel paisaje.
Pasé unos días en pleno corazón del bosque, haciendo senderismo por aquella naturaleza increíble e incluso regresé río abajo, dejándome llevar por la corriente. Sinceramente, fue uno de los lugares más bonitos que he visto en mi vida.
Había algo casi mágico en aquel lugar y quería que el mural que creé para Liliana fuera mi pequeño homenaje a ese bosque y a su belleza.
¿Qué esperas que permanezca en alguien después de pasar un tiempo frente a una de tus obras?
En realidad, no tengo ninguna expectativa. Mis pinturas son un poco como mis bebés mientras las estoy creando, pero cuando alguien adquiere una, de alguna manera corto el cordón umbilical y dejo que tenga su propia vida.
Lo importante para mí sucede antes de eso. Me pregunto si aquello que he creado se siente verdadero, auténtico y alineado con lo que estaba sintiendo en ese momento concreto; si lo he creado sin mentirme a mí misma y con la mayor cantidad posible de mi niña interior.
Después de eso, ya no me pertenece realmente. Lo que otra persona sienta o vea en ella es completamente suyo.
Si no existieran absolutamente ningún tipo de límites, ¿cuál sería el proyecto más salvaje que te gustaría hacer realidad?
En realidad, todavía no puedo responder a esta pregunta… porque mi proyecto soñado está sucediendo ahora mismo.
Estoy trabajando en él en este momento, pero todavía es confidencial. Se revelará dentro de unos meses, así que, por ahora, solo puedo decir: estad atentos.
¿Qué artista te está inspirando últimamente?
Siempre vuelvo a Hilma af Klint, Gustav Klimt y Joan Miró. Me encantan los artistas que crearon mundos con un lenguaje y una simbología propios, algo que puedes reconocer casi de manera instintiva.
Lo que me inspira de ellos es su libertad. La forma en que el color, las formas, los símbolos y la imaginación pueden comunicar algo que no necesariamente necesita ser explicado.
Su obra me recuerda que el arte puede ser profundamente personal y misterioso y, al mismo tiempo, hablar de algo universal.
